ATAQUE DE PÁNICO

Les presento: “ATAQUE DE PÁNICO” O “¡PANIC ATTACK!” para que más fácil lo puedan encontrar por el internet. Dirigido por el uruguayo Federico Álvarez Mirate. Este cortometraje retrata como Robots y naves aparentemente extraterrestres invaden la capital de Uruguay (Montevideo), la gente corre despavorida, asustada, naves y robots extraterrestres se apoderan de la ciudad por completo, realizan cuantiosos destrozos, mientras las personas huyen de ellos para protegerse. Las naves y robots llegan a la ciudad disparan sus armas destructoras: acabando con edificios por completo y atacando y matando a los capitalinos. Hasta que un grupo de robots se unen; se juntan, y hacen explotar por completo la ciudad. No queda nada.

El título que lleva es bien reflejado en este corto. Aunque sea difícil de creer este trabajo costó 300 dólares, es muy bien hecha, técnicamente muy bien realizada. Y como no va hacer así si los creadores: director, guionista. Son especialistas en este tipo de producciones. El director ya ha realizado varios spot publicitarios. A lo que me lleva recordar a un director que recién se acaba de hacer conocido; estoy hablando de Neil Blomkamp (“Distrito 9”). Quién también realizó un corto el cual después fue llevado al cine con el apadrinamiento del recontraoscarisdo Peter Jackson. Y se preguntan: ¿qué tiene que ver lo uno con lo otro?

Es que Federico Álvarez Mirate acaba de recibir la oferta de su vida. Sí de su vida. El corto que fue visto muchas veces por el internet exactamente en youtube. Llegó a los ojos del dueño de la productora Ghot House (creo que aun no les suena). Bueno, ¿quién creen que es el dueño?, quién más que el mismísimo director de las tres películas de “SPIDERMAN” o “EL HOMBRE ARAÑA”, estoy hablando de: ¡SAM RAIMI! Él le ha ofrecido al director del corto 30 millones de dólares para realizar su primer largometraje con el mismo contenido del corto solo y cuando escriba un guión solido. Esto es una oportunidad que a pocos directores noveles se les presenta.

Esto es un reflejo claro de que cuando hay esfuerzo y talento a la mano: todo se puede realizar. Espero que ya se empiece a rodar por que todos los que hemos visto el corto nos hemos quedado con la boca abierta.

Séptimo arte: el boom de las cintas futuristas

La moda de las predicciones futuristas se ha apoderado de Hollywood y sus directores; muestra de ello son las últimas producciones que vienen cargadas de suposiciones sobre cómo será el fin de mundo.

Los cineastas están aprovechando las preocupaciones sobre el futuro de la humanidad para realizar estas sagas apocalípticas. Por tal razón, en Vida le presentamos un recuento de las cintas más conocidas que fueron producidas bajo este argumento.

La más reciente historia de desastre es 2012, su director, Roland Emmerich, lleva más allá la devastación que retrató en la cinta sobre una invasión extraterrestre Independence Day o la saga sobre calentamiento global The Day After Tomorrow.

Cualquiera de nosotros podría ser condenado a una terrible muerte en el escenario que propone 2012. The Book of Eli, con Denzel Washington, se estrena el 15 de enero próximo, y también es un recorrido postapocalíptico por Estados Unidos. El actor hace el papel de un profeta guerrero que viaja por el país resguardando un conocimiento que puede salvar a la humanidad.

Otro filme en honor a las predicciones es The Road, este presenta un desastre no especificado que ha ocasionado el colapso de la civilización, con puñados de sobrevivientes en busca de agua y alimento; protagonizada por Viggo Mortensen, es una adaptación de la novela de Cormac McCarthy.

Pero no solo el futurismo está de moda en el séptimo arte, también ha entrado con fuerza la alarma ambientalista global de Al Gore, An Inconvenient Truth. El Juicio Final es un tema especialmente fértil actualmente y el Apocalipsis se presenta de diversas formas: plagas de vampiros en la próxima cinta de Ethan Hawke Daybreakers, y zombis en las comedias de terror Zombieland y George Romero’s Survival of the Dead.

Calamidad económica con el documental Collapse, un retrato de un pesimista convencido de que la civilización industrial está al borde del derrumbe. Catástrofe ambiental en The Age of Stupid, sobre un archivista de mediados del siglo XXI, que mira nuestros tiempos desde un mundo asolado por el calentamiento global.

Devastadoras guerras entre humanos y máquinas con la nueva entrega de ciencia ficción Terminator Salvation. ¿Pero cuándo esta fiebre entró a su máxima temperatura? Las historias de fin de mundo han sido un subgénero cinematográfico desde los días de la Guerra Fría, con películas sobre guerras nucleares como On the Beach, Fail-Safe y Dr. Strangelove.

La preocupación en torno al medio ambiente y la superpoblación resultaron en otra ola de filmes que muestran futuros sombríos. En la actualidad, el calentamiento global, las guerras en Irak y Afganistán, las continuas amenazas terroristas y la crisis económica tienen a la gente en un estado anímico lúgubre, y los cineastas aprovechan esta situación.

fuente: http://www.elheraldo.hn

10 AÑOS DE MATRIX CON LEGO REALIZANDO UNA APOLOGÍA

Ya han pasado 10 largo años desde que los hermanos Larry y Andy Wachowski proyectaron “Matrix”, la película que abrió las puertas para el siglo XXI, por todo el mundo y de esta manera revolucionaron el cine con sus grandes efectos especiales y sus geniales escenas de acción. Y con las escenas más memorables del cine utilizando el “Bullet time” o tiempo bala. Quien no ha querido realizar esta mítica escena donde Neo (Keanu Revees) se enfrenta con uno de los agentes, y donde el tiempo se detiene, las balas son esquivadas, y la cámara siempre atenta para captar el más mínimo movimiento se mueve 360º (grados). ¡Ah…que envidia! Bueno pues la marca de juguetes LEGO ha realizado un arduo trabajo con STOP MOTION para hacernos recordar esta mítica escena a su fiel estilo les presenta: ¡LEGOMATRIX!

IMBORRABLES

Existen varios motivos por la que un espectador declara su amor por determinadas películas. Está el evidente culto generalizado a grandes cineastas que han dejado un buen número de obras imborrables en su filmografía. Este listado varía con el tiempo, según la generación predominante: donde ayer fue Charles Chaplin, hoy es John Ford; donde ayer era François Truffaut, hoy es Francis F. Coppola; donde era Anthony Mann, hoy es Clint Eastwood.

Otro motivo exaltación de una obra puede ser su temática. Tengo un amigo al que sólo ha gustado una película de todas las que ha visto en sus cuarenta años de vida: Brubaker (Stuart Rosenberg, 1980). Al igual que otro que dejó de ver cine tras asistir repetidamente a los pases de Los santos inocentes (Mario Camus, 1984) porque simplemente pensaba que no podía haber otra historia mejor para contar. Creo que en argot psicológico a esto se le llama hacer contacto, es decir, el alma o la mente del espectador reconocen una belleza o verdad descomunal e inigualable en la obra vista, sufriendo una especie de éxtasis de sensibilidad. Una especie de síndrome de Sthendal aminorado.

Como víctima del celuloide, tengo un tercer criterio. Sé que otros penitentes del cine lo comparten, y es referente a recordar una única imagen, un momento, de algunas películas. Momentos que, sin ser los clímax o pasajes célebres de esos títulos, han conformado un abanico de emociones que ejecutas a modo de slideshow en tu cabeza para revivir la emoción que te produjeron. Un particular álbum de fotos. Aquí van:

La sombra recortada de Takashi Shimura parada en la mitad de la escalera mientras oye a sus hijos hablar de los inconvenientes que les provoca su enfermedad y su estancia en la casa en Vivir (Akira Kurosawa, 1952).

Paul Newman sentado en una butaca dejando que el teléfono suene y suene en la última escena de Veredicto final (Sidney Lumet, 1982)

Omero Antonutti apareciendo desde la sombra en el fondo de la iglesia donde su hija hacia la comunión en El espíritu de la colmena (Víctor Erice, 1973)

John Wayne tocándose el brazo herido y evitando entrar en la casa de la familia que ayudó a rehacer en Centauros del desierto (John Ford, 1956).

El renacimiento de una flor en una pequeña maceta que permite saber a Elliot que su amigo aún está vivo en E.T. (Steven Spielberg, 1982).

Georgia Hale buscando a su amado sin ni siquiera percatarse de que Charlot está allí quieto, delante de ella, suplicando con la mirada que lo mire en La Quimera del Oro (Charles Chaplin, 1925).

Jeremy Irons partiendo un poco de queso, su única comida, mientras observa la gigantesca foto de Juliette Binoche que preside su habitación en Herida (Louis Malle, 1992).

Dennis Hopper aspirando oxígeno de su mascarilla antes de violar a Isabella Rossellini en Blue Velvet (David Lynch, 1986)

El silencio y las miradas de William Hurt y Harvey Keitel al finalizar el relato navideño de éste en la última secuencia de Smoke (Wayne Wang, 1995)

Kang-ho Song mirando a través de la tubería donde años atrás encontró el cadáver que da comienzo a la trama de Crónicas de un asesino en serie (Joon-ho Bong, 2003)

Y por último, la imborrable y bellísima imagen, casi onírica, del cadáver de Shelley Winters sentado sobre una barca en el fondo del lago en Lae noche del cazador (Charles Laughton, 1955).

fuente: http://www.cine.fanzinedigital.com/

¿ALGO QUE MOSTRAR?

Parece que sí, aunque haya algunos escépticos. La producción de Cine en el Perú tiene una trayectoria interesante. La Semana de Cine Peruano 09 en Montreal exhibe algunas de ellas. Esto se realizará del 20 al 26 de noviembre de 2009 en la "Semana de Cine Peruano 09", organizada por el Consulado General de Perú en Montreal, Le Cinéma du Parc, Kepri, Nuevo Mundo y Cinema Uno. Por primera vez, Montreal tiene la oportunidad de ver una selección de filmes provenientes de Perú.

La programación de la muestra incluye largos premiados y exhibidos en festivales internacionales como La teta asustada (Fausta) y Madeinusa de Caludia Llosa; Máncora de Ricardo de Montreuil; El premio de Alberto Durant; Mañana te cuento de Eduardo Mendoza; El acuarelista, de Daniel Ró, y Días de Santiago, de Josué Méndez.
(Fuente:http://www.cinelatinoamericano.org)

El columpio

UNISONO

Unísonos transeúntes que se conocieron ayer,
fueron llevados a la lejana avenida donde galopaba el tren,
esperaban intranquilos,
ellos hablaban mudamente,

sus gestos ,

sus ademanes,
se volvieron un “tal vez”,

quiero que seas mi amante,

quiero que seas mi esposo,

quiero ser tu mujer, ¡no!: -soy un caballero- dijo el hombre,
-soy una dama- dijo la mujer.
Pero los pensamientos no son puros,

alguien tiene que ceder…





Se trata de ‘El columpio’, un cortometraje que en en 1993 alcanzó bastante nombre y que ganó el goya ese mismo año. Coque Malla y Ariadna Gil en lucha por unos amores imposibles o atados por el miedo a no dar rienda suelta a sus sentimientos.

25 años sin François Truffaut

Se quedó con las ganas. Le había prometido a su amigo Milos Forman que supervisaría el primer montaje de Amadeus, la personal biografía de Mozart a la que tanto había dedicado el director checo. No pudo ser. No llegó a verlo pues el 21 de octubre de 1984 un tumor cerebral diagnosticado muy pocas semanas antes se lo llevó por delante. Inesperada y cruel, la muerte de François Truffaut, de la que se cumplen 25 años, cercenó una carrera ya deslumbrante desde la primera entrega.

Todos perdimos. El cine que gracias a su mano hubiera podido ser y no fue. La literatura porque en la historia del celuloide hay pocos cineastas que hayan logrado igualar o superar con sus adaptaciones la obra escrita (lo que por fuerza el celuloide plasma, queda libre y sujeto a la imaginación en el lector y ese trecho, el que va de lo real a lo imaginado, acaso explique los fracasos de muchas intentonas). También se perdió la mirada de uno de los críticos cinematográficos europeos más perspicaces y, por supuesto y ante todo, perdimos los espectadores que nos quedamos solos ante una pantalla en blanco.

Lector empedernido

Lector empedernido, contaba que se inició en los libros muy pronto gracias a los terribles dolores de cabeza de su madre que le obligaban a él a no hacer ningún tipo de ruido y a permanecer en silencio horas enteras, Truffaut se volcó en la literatura para soportar una infancia sin afecto de la que siempre guardó un ácido recuerdo.

Pronto descubrirá que es hijo de padre desconocido pues el hombre al que cree su padre, cuyo apellido lleva, se casó con su madre cuando él ya contaba dos años. “La infancia es una pesadilla que uno desea que se esfume lo más rápido posible. No entiendo la sublimación de esa época, que al menos en mi caso en muchos momentos supuso una auténtica tortura”, escribió.

Paradójica visión por cuanto el primer gran bombazo en la obra del francés derrochaba ternura y comprensión hacia el mundo de los más pequeños. Con Los cuatrocientos golpes, ese viaje de un chaval hacia el mar que no conoce, revolucionó el cine que en Europa se estaba haciendo para hacer subir la espuma de aquella ola nueva (La nouvelle vague) que acabaría por empaparnos a todos.

La adolescencia y los años previos a esta complicada fase de la existencia; la amistad y sus recovecos; el destino como algo difícilmente modificable; la búsqueda a ratos desesperada de la felicidad contemplada no como otra cosa más que un estado fugaz, cuando no inalcanzable, y el amor, claro, siempre el amor con sus caras diversas, son temas que una vez y otra Truffaut vehicula a través de un cine que tiene uno ojo siempre puesto en la literatura. De hecho, más de la mitad de sus películas son adaptaciones de obras ya publicadas.

Hacia la serenidad

A su modo viajó de la ira a la serenidad. Arrancó ese trayecto como implacable crítico que a través de sus artículos en la mítica revista Cahiers du Cinéma no deja títere con cabeza y arremete sin miramientos contra la académica forma de hacer cine que en aquellos momentos se lleva en Francia. En aquellas páginas coincide con Claude Chabrol, Rivette, Godard o Eric Rohmer, críticos también y tan transgresores como él que acabarán por dirigir para plasmar sus teorías rompedoras.

Nace y crece así la “nouvelle vague”, un movimiento que, desde Francia, revoluciona la forma de contar que hasta entonces las pantallas habían contemplado. Defensa del cine de autor, miradas muy personales contrapuestas a la industria de consumo que Hollywood exportaba.

Tiene Truffaut 25 años en 1957 cuando se casa con la hija de un importante distribuidor y con la ayuda de su suegro pone en marcha Les films du carrose, productora propia que le permite dar salida a sus primeras obras. Como queda dicho, el viento sopla a favor y Los 400 golpes, su primera apuesta, sorprende y se gana al gran público siendo incluso nominada al Oscar al mejor guión.

Tirad sobre el pianista, su segunda propuesta, constituye un solapado homenaje Alfred Hitchcock, al que siempre consideró como uno de sus referentes y al que dedicaría un libro que pasa hoy por ser un auténtico tratado sobre la teoría del mejor cine.

A película por año

Rápido y meticuloso al tiempo, Truffaut sale a película por año. Con Jules et Jim levanta uno de los iconos del cine de culto. Con La piel suave da una lección de sutileza que repetirá en La piel dura. Con Fahrenheit 451 exprime lo mejor de la clarividente obra de Ray Bradbury y nos muestra sin velos su pasión por los libros.

Llegará después La novia vestía de negro; El niño salvaje; Las dos inglesas y el amor; La historia de Adela H, en la que rescata a la hija de Victor Hugo; El último metro, que cuenta las peripecias de una pequeña compañía francesa de teatro que malvive durante la ocupación nazi, La noche americana (la magia del cine vista desde el cine) o La habitación verde, en la que el propio director se coloca delante de la cámara en la piel de un periodista obsesionado con la muerte.

Nunca rehuyó lo autobiográfico y a lo largo de los años fueron intercalándose El amor a los 20 años, Besos robados, Domicilio conyugal… en las que de un modo más sereno cada vez hunde las manos en su propia existencia y rescata trozos de una vida que le permitió levantar una filmografía deslumbrante.

Sin volverle la espalda a ninguno de los ámbitos relacionados con el cine, Truffaut fue también actor y aunque se reservó papeles de envergadura en sus propias películas, sólo intervino como tal en un proyecto de otro autor, siendo dirigido por Spielberg en Encuentros en la tercera fase.

Genio y figura

Con los años dulcificó su insolencia inicial aunque ya muy andada la vida, en 1973, se enemistó seriamente con Godard que le llamó embustero y traidor ante la negativa a prestarle dinero para uno de los proyectos, Truffaut zanjó el tema con violencia al responderle: “no quiero echar a perder la preparación de tu próxima película autobiográfica, cuyo título creo saber: Una mierda es una mierda”.

Genio y figura de quien nunca se movió en las medias tintas. De quien se fue demasiado pronto, hace ahora 25 años, habiendo amado el cine de un modo visceral. Aquel que dejó escrito: “Los cineastas nos contarán cuanto les ha pasado: podrá ser la historia de su primer amor o del más reciente, su toma de postura política, una crónica de viaje, una enfermedad, su servicio militar, su boda, las pasadas vacaciones, y eso gustará porque será algo verdadero y nuevo… la película del mañana será un acto de amor”.

De quien a través de su forma de ver nos adentró en toda esa, su irrepetible, magia.

fuente: http://www.hoyesarte.com

50 AÑOS DE "SHADOWS", LA CINTA INAUGURAL DEL CINE INDEPENDIENTE AMERICANO

Madrid, 10 nov (EFE).- Rodada bajo las leyes de la improvisación de la música jazz, sin argumento ni protagonistas claros y con un mínimo presupuesto, "Shadows", la primera película de John Cassavetes, cumple el miércoles 50 años como piedra fundacional del cine independiente americano.

En 1959 no existían el festival de Sundance ni los Independent Spirit Awards. En Francia emergía con fuerza la "nouvelle vague" como revolución del lenguaje cinematográfico, pero en Estados Unidos el actor y director John Cassavetes inauguraba, con más modestia pero con igual poder rompedor, el cine del que beberían autores como Jim Jarmusch o Alexander Payne.

"Cuando empecé a hacer películas, quería hacer cine como Frank Capra. Pero nunca he sido capaz de hacer otra cosa que no fueran estas obras locas y arduas. Al final, uno es lo que es", reconocería irónico.

Él, efectivamente, no tenía manifiesto ideológico, ni publicaciones que lo sustentaran, ni pretensiones de crear escuela. Era él mismo: un actor y cineasta que compondría en solitario un "corpus" creativo insólito en la historia del cine con títulos como "Una mujer bajo la influencia" o "Gloria".

"Cassavetes ha edificado contra viento y marea una obra ferozmente personal y totalmente distinta de lo que se hacía -y se hace- en el cine norteamericano e incluso en el cine mundial", resumían Bertrand Tavernier y Jean-Pierre Coursodon en "50 años de cine norteamericano".

"Shadows" era su debut: rodado cámara en mano en 16 milímetros, en un Nueva York nocturno y con 40.000 dólares de presupuesto, fundía el cine con una "jam session", creando un conjunto fresco y vibrante que fue premiado en el Festival de Venecia con el premio de la crítica.

Una primera versión de la película, formalmente todavía más arriesgada, fue sustituida por otra que se acercase más a la ficción y se distanciase del documental. Esa pieza original sería estrenada, como una pieza de museo, en el Festival de Rotterdam de 2004.

"Uno de los rasgos originales y muy personales de 'Shadows' es su obstinada negativa a enunciar la temática. Nunca se podrá decir sobre qué es una película de Cassavetes, sólo que es sobre personajes. De ahí que veamos relaciones entre blancos y negros, pero nunca se enuncia el problema racial", insistían Tarvernier y Coursodon.

Teniendo en cuenta que en Hollywood ese año ganaría "Ben Hur" once Óscar, "Shadows" fue toda una osadía. "Como artista, trato de buscar cosas diferentes. Pero sobre todo los artistas tenemos que atrevernos a fracasar", era su consigna laboral.

Ni siquiera él, después de su ópera prima, volvería a dejar nada en manos de la improvisación. A partir de entonces confeccionó con mano maestra la realidad en películas como "Faces", su segundo film y primero con su esposa, Gena Rowlands.

"Quiere superar el simple efecto de realidad para alcanzar, por así decirlo, la realidad misma. Y justamente porque se aproximó de forma absolutamente convincente a esta ambición a la vez simple y grandiosa, es a menudo considerado, todavía hoy, un improvisador", reflexionan los cineastas franceses.

Es por eso por lo que "el diálogo en 'Shadows' es tan 'cassavetiano' y muestra un incongruente sentido del humor tan semejante al que aparece en todas sus demás películas", según Tavernier y Courduson.

Cincuenta años después de "Shadows" y cumplidos veinte de la desaparición del insólito cineasta, el cine independiente americano vive una crisis de identidad.

En los setenta y los ochenta, cuando Cassavetes todavía ofrecía obras como "Corrientes de amor", Terrence Malick, el Paul Newman director, John Waters y Jarmusch parecían tomar el testigo a su manera.

Pero, en los noventa, con el auge del Festival de Sundance, los "indies" se hicieron legión, llegaron a los Óscar y se convirtieron en negocio para los grandes estudios, que abrieron sus filiales para el público minoritario.

Los hermanos Coen, Todd Solondz, Gus Van Sant o Tom DiCillo lustraron esa generación que fue incorporándose a la industria o reincidiendo en mensajes ya no tan rompedores.

Y así, el lema de "No risk, no award (Sin riesgo no hay premio)" de los Independent Spirit Awards va quedando caduco y surgen productos independientes con vocación comercial como "Juno". Por eso hoy "Shadows" vuelve a impresionar por su independencia.

fuente: http://www.google.com

¿Cuál es la mejor adaptación al cine de Philip K. Dick?

Philip Kindred Dick, escritor estadounidense nacido en 1928 y fallecido en 1982, no es tan sólo uno de los autores más importantes de la historia de la ciencia ficción, sino también uno de los escritores que más veces se han adaptado al cine (aunque difícilmente llegará a superar jamás a Stephen King, del que se ha adaptado gran parte de su obra).

La razón de que Dick sea tan popular entre guionistas y directores podría basarse tanto en una fecunda imaginación muy adelantada a su tiempo, como en su creación de historias asombrosas protagonizadas por, vamos a decirlo con mucha precaución, héroes un poco atípicos. Porque es evidente que en la mayoría de sus novelas y cuentos, los protagonistas suelen ser personajes poco habituales, atrapados en situaciones inverosímiles y carne de cañón para el psicoanálisis más profundo. Todavía extraña, pues, que Woody Allen no se haya embarcado en un proyecto basado en su obra. Tiempo al tiempo.

Si hablamos de Dick y el cine, hay que empezar por el principio, no solamente porque Blade Runner (1982) fuera la primera adaptación, tampoco porque Dick en persona estuviera indirectamente involucrado en el proyecto (aunque nunca pudo llegar a ver el resultado ya que murió cinco meses antes del estreno), sino por la importancia que la cinta dirigida por Ridley Scott ha cobrado desde su aparición. Blade Runner ha trascendido al género de la ciencia ficción, y es considerada por muchos como una de las grandes obras maestras de la historia del cine. Sin embargo, ¿es una buena adaptación de ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, la obra en la que se basa? Seguramente no, y es muy probable que Scott lo prefiriera así. Muchos “cinéfilos” (las comillas son necesarias) no muy duchos en ciencia ficción literaria se han acercado a la corta novela de Dick por mera curiosidad, sorprendiéndose de los pocos puntos en común entre ambas obras, y han llegado a asegurar que la película es superior a la novela. Seguramente: estamos hablando de una obra menor del autor, y comparándola con una película inolvidable. Las comparaciones suelen ser odiosas, y en este caso son injustas. No hay ningún problema en esto: la incultura se cura leyendo, y podrían llevarse una gran sorpresa comparando la siguiente adaptación al cine de Dick, Desafío Total (1990), con el cuento en que se basa, Podemos recordarlo por usted al por mayor. En este caso tampoco nos encontramos ante una adaptación pura, y aunque la película es muy entretenida, no deja de ser un vehículo de lucimiento de Arnold Schwarzenegger; el cuento, en cambio, es una pequeña joya que posee uno de los finales más impactantes de la obra corta del escritor.

Otras adaptaciones han sido francamente insatisfactorias: Minority Report (2002) cambia por completo la intención del autor (la misma inclusión de Tom Cruise como protagonista habría hecho enfurecer, seguramente, a Dick) y se queda en una mediocre intentona; Paycheck (2003) no puede ser tomada en serio, ni como película de acción ni como adaptación; Next (2007), una buena película a su manera (una manera muy particular, aclaro), tampoco es una adaptación, sino que recoge una pequeña idea aparecida en el mediocre cuento El hombre dorado para formar a su alrededor una especie de thriller algo rebuscado pero interesante.

Las dos mejores adaptaciones de la obra de Dick son, precisamente, y dejando a un lado la canadiense Asesinos Cibernéticos (que no tengo el gusto de haber visto), las dos menos conocidas. A Scanner Darkly (2006), la primera, es una obra que, imagino, habría sido muy del gusto del autor (que la habría visto acompañándola de algunas… llamémoslas “vitaminas”); Infiltrado (2002), por su parte, es posiblemente la más fiel al autor estadounidense. Basada en su cuento Impostor, esta película de presupuesto medio recoge de manera honesta la intencionalidad que Dick depositó en su relato, conformando un muy buen producto que, no obstante, sólo es apto para consumidores habituales de ciencia ficción o películas de serie B.

FUENTE: http://www.lecturalia.com

Kiwi!

Me arme con las armas desprovistas…

Cuando era niño mis semejantes me dijeron que no,
cuando iba creciendo mis semejantes me dijeron que no,

¡me dijeron que no!

Se trilló esa palabra en el árbol genealógico,
le dije a mi madre que –sí-
-te respeto madre pero esta vez lucharé por mí pero no te enfrentaré-

La cruzada empezó ese día tal cual amanecida, y nocturnas horas,
no descansé ni me dije -¡no!...-
Sudaron las lágrimas inocuas, porque quise por primera vez lo que creía para lo cual había nacido.

¡Me arme con las armas desprovistas que mi madre no me blindó,
Pinté la calle de mi vida con colores que mis semejante me dijeron que no…!

¡me dijeron que no!

¡Esta es la batalla del niño que pintó naturalmente los colores de la madurez, que quiso luchar: es un último sacrificio para esta vida que no quiere olvidar sin dejar nada atrás…!

Las Leyes de CHUCK NORRIS Pese a quién Le Pese Parte 1

Siempre hemos conocido a Chuck Norris como un hombre duro y de pocas palabras como un alguacil en "Walker, Ranger de Texas" pero como todo gran hombre tiene sus propias leyes. Y estas leyes solo se han y hecho para él. Y nadie lo puede quebrantar...

1. Chuck Norris olvidó una vez dónde dejó sus llaves. Se torturó durante una hora hasta que se obligó a decirlo.

2. Chuck Norris eliminó la tecla Escape del teclado de su ordenador. No le gusta salir huyendo de los problemas.

3. Chuck Norris murió hace 100 años pero la muerte tiene miedo de venir a buscarlo

4. Chuck Norris considera Misión Imposible la peor película de la historia. Ninguna misión es imposible para Chuck Norris.

5. Proverbio chino: si tu enemigo es débil, conquístalo. si tu enemigo es fuerte, únete a él. Si tu enemigo es Chuck Norris, estás jodido.

6. Dios es invisible porque se esconde de Chuck Norris.

7. Chuck Norris nunca se afeita, su barba sabe perfectamente qué longitud ha de tener.

8. Cuando Neil Armstrong pisó la luna por primera vez, encontró una nota que decía: Chuck estuvo aquí.

9. Primera Ley de Acción y Reacción: toda acción causa a su vez una reacción igual pero opuesta, salvo que esa acción sea de Chuck Norris. En ese caso causa patadas giratorias.

10. Ley de Murphy: siempre que untas una tostada y se cae, cae por el lado de la mantequilla. Excepto una tostada de Chuck Norris, que no tiene cojones a caer...

11. Chuck Norris es capaz de mezclar agua con aceite revolviendo con su dedo.

12. Antes de que olvidaran un regalo para Chuck Norris, los Reyes Magos eran reales.

13. Una vez, Chuck Norris se tragó un cubo de Rubik y lo cagó resuelto.

14. Chuck Norris no juega a ser Dios, porque jugar es de niños. simplemente es Dios.

15. Chuck Norris fue capaz de comerse 100 kg. de carne en una sola hora, se pasó los primeros 55 minutos follando con la camarera.

16. Chuck Norris inventó la cuchara porque veía demasiado fácil matar a gente con un cuchillo.

17. Chuck Norris cabalgó el caballo de Troya.

18. Cuando Bruce Banner se cabrea, se transforma en Hulk, cuando Hulk se cabrea, se transforma en Chuck Norris.

19. Chuck Norris convirtió un disco duro en blando.

20. Después de que Adán y Eva fueran expulsados del Edén, Chuck Norris se comió todas las manzanas y también a la serpiente. Dios no tuvo cojones a echarlo.